Leche de artista

leche de artistaVerónica aparece como una diosa, totem, emanación de la naturaleza. Aparece o nace desde la tierra y a la vez su embarazo progresa. El embarazo y la gestación es esencialmente femenino. La evolución asignó a uno de los géneros la gestación. El género que gesta es Ruth. La artista es Ruth. De ella nacen los seres y nacen los fluidos vivificantes.
IN SITU, en el lugar, desarrollado desde el lugar. Se hace real en el lugar. La obra central, la poderosa se hace en el espacio del dormitorio en el que encima de la cama se recrea un paisaje natural.
En el salón, la mesa fría de metal acoge a una Verónica que no es sufriente. Nos pregunta que es un artista y mientras lee nuestras respuestas improvisadas extrae de sus pechos la leche vivificante de la que nutre a su bebe.
El calostro recogido en un biberón será oportunamente repartido en pequeños envases y ofrecidos a los que fueron interpelados con la pregunta ¿Que es un artista?. La artista nos da la respuesta vivificante: leche de artista. Un artista es una persona que extrae de si lo mejor para entregarlo a los que la interpelan. Y en el proceso de preguntarse y responder construye una historia, en este caso con emoción y final feliz.
Verónica Ruth es una artista visual que muy bien podría ser una escritora porque sus historias nos interrogan, nos conducen y, aunque sabemos el final, loesperamos anhelantes.

LECHE DE ARTISTA fue una perfomance de Verónica Ruth Frías en Casa Sostoa el pasado día 14 de Noviembre en la que interpeló a los asistentes con la pregunta ¿Que es un artista?. Mientras extraia de sus pechos el calostro para despues interarlo en un pequeño recipiente que acabo entregando a los interpelados. El recipiente con la leche materna se convirtió en su respuesta a la pregunta. Metáfora del proceso creador.

Ritmo, papel, tintas y piedra

SURCOS DE LUNA IVLa obra de Fernando de la Rosa nunca cuenta historias. La obra de Fernando de la Rosa ilumina ritmos. La obra de Fernando es sólida como sus piedras, alegre y grave como sus colores. Ágil como sus líneas. Fernando de la Rosa inauguró el pasado viernes 7 de noviembre su última obra gráfica en Galería Taller Gravura.
Obras sobre papel y obras en piedra. En ambos casos abordadas con técnicas del grabado en las que Gravura, en donde pasó períodos de formación, es un referente nacional. Obras grabadas e iluminadas con tintas que hacen de cada ejemplar una pieza única.
El título de la exposición, Interludio para surco y cuerda, continúa la línea de trabajo de inspiración claramente musical de anteriores muestras. No es la música sinfónica la referencia, creo, sino más bien la danza. Ese movimiento dinámico y regular, en este caso de líneas, manchas, sombras y colores que hace que las piezas vibren y se muevan. Asistimos a una danza escondida tras unos velos, no de celulosa o materia textil, sino entre líneas y colores que se soportan en piedra y papel.
La danza es movimiento de objetos, color y música para emocionarnos en el espacio tridimensional del un escenario. Fernando aborda movimientos con colores y líneas en el espacio cerrado y bidimensional de una pieza pequeña. Fernando no nos deja insensibles. Nuestra mirada va de unos a otros objetos. Solo nos hubiera gustado el mayor tamaño de algunas piezas. Pero Fernando parece ensayar para saltos mayores.

Salvador Palomo en la Diputación Provincial

Efimeros_Vista  parcial

Yo soy

mis imágenes
Estos versos de Chantal Maillard me sirven para dar pie a la obra reciente de Salvador Palomo que resuma por cada uno de los centímetros cuadrados de sus fotografías la esencia de su pensamiento y muchísimas de sus vivencias. Leer más de esta entrada

Los nidos

Las acciones que expresan sentimientos profundos, profundos de hondos, de interiores, que son entendibles aunque uno no entienda como es el otro, cómo habla, cómo dice, cómo señala, esas acciones si se hacen con una técnica depurada, pero sencilla, invisible, conmueven. Invisible pues no se pretende mostrar la técnica sino lo representado. Eso es una actividad artística potente (¡que adjetivo tan frecuente en la actualidad y tan chusco!). Mejor diremos actividad artística poderosa.
Eso es lo difícil. Comunicar con poder. Que se entienda a la primera vista. Conseguirlo es el afán de todos. Pues todos somos o podemos ser artistas al menos una vez. Pero no siempre está al alcance nuestra.  Y además cada uno de nosotros cuando intentamos conmover en cada ocasión lo hacemos de manera distinta. Lo mismo representado varias veces es distinto (salvo las series, pero eso es otro tema).
Mirad como Paco Aguilar representa un nido de dos maneras distintas. La primera la hemos comentado aquí ya.

Vista parcial de la instalación

La segunda es un grabado, llamado “Nido” de 55 por 55 cm, por el que recientísimamente le han dado un premio. En ambos caso es el nido, es la fuente, el pozo, el hogar, el deseo,… todas las cosas  y solo arte.
Felicidades Paco.

Copia de 2012 NIDO.[1]

Las jaulas vistas por Robert Harding

Jaulas que andan, que te tienen atrapado, que te abrazan

Jaulas que caminan

Jaulas de dinero, de aire.  Piedras enjauladas.

Jaulas que solo sirven para mostrar que estamos en ellas.

Jaulas encadenadas a su interior.

Aire que existe porque está enjaulado.

Cañones como jaulas. Largas jaulas de aire.

Piedras que no atrapan nada.

Nada que está enjaulada.

Encerrar el espacio. Mostrar el interior no visible de los objetos. Relacionar las piezas elaboradas  no con el mundo que las rodean, la plaza, la pared, la habitación, sino con el que no parece existir, el que no se ve. Penetrar en el interior con el mundo exterior acuestas.  Hacer visible lo invisible.

Robert Harding.

Jaulas Cómodas

Galería Taller Gravura

Psje. Ntra. Sra. de los Dolores de San Juan, 3-1º (antigua c/ Coronel)

Málaga 29005

 

Paco Aguilar en la Sala Robert Harvey

Soy amigo y admirador de Paco Aguilar desde hace muchos años. No todo lo que hace me gusta. Pero mucho de lo que hace me gusta y mucho. Incluso cosas que no me gustan tienen aspectos, logros, encuentros que me interesan. Paco tiene una curiosidad, una extravagancia poco común: es un artista que vive de su arte. QUiero decir que no trabaja en un banco y pinta, o es profesor de instituto y esculpe, o hace algo y además escribe. No. El pinta, esculpe, graba y vive de eso. Además enseña a grabar a otros, estampa los grabados de otros. Eso es raro, en mi tierra es más raro aún.

En otro lugar (ved www.aforolibre.com) he escrito sobre la próxima exposición en la Sala Robert Harvey. os animo a id a verla.

La instalación que se presenta en la sala es heredera directa de la transformación sufrida por su contacto con el grabado y sus requerimientos: el recortar piezas metálicas, el dibujo, el papel (cartón en este caso), la piedra, los acetatos transparentes, las tinturas, etc., son algunas de las herramientas con las que ha tejido esta instalación.

Aquí os incorporo una galería de fotos fragmentarias de proceso de construcción de la instalación.

Lo grotesco, el pintor Cornelius Ritter von Max y Enrique Simonet

La próxima exposición en el Museo Picasso Málaga “El factor grotesco” me hizo recordar a un pintor checo, casi mejor decir austrohúngaro, pues nació en Praga en 1840. Gabriel Cornelius Max (1840-1915), hijo del escultor Joseph Max, falleció en 1863 en Múnich donde residía desde durante largos años. Pintor que alcanzó mucha fama centroeuropea a través de sus obras, que son por otra parte de una gran personalidad, aunque siquiera sea por las ideas y creencias tan peculiares en las que se sustentaban. Espiritista, teósofo, “seguidor” de Darwin, etc. Fue profesor-pintor de pintura histórica- de la Academia muniquesa. Su vida y su obra dan para varios post. Si lo expongo aquí es por dos aspectos. El primero porque, como consecuencia de los avances científicos de su época, el descubrimiento –conocimiento- de los restos del hombre de Neardenthal, y el definitivo reconocimiento de las teorías evolucionistas de Darwin, desarrolló unas opiniones y creencias evolucionistas peculiares que le llevaron a pintar numerosas obras grotescas –ridículas y extravagantes a nuestros ojos actuales- en donde exponía a diversos simios en actitudes humanas e incluso imitando tipologías literarias.
Os acompaño dos obras, la primera “Monos como jueces” (1889) y “Eloísa y Abelardo” que no he podido datar.

Eloísa y Abelardo

Monos jueces de arte. Museo de Múnich

Sin embargo para nosotros malagueños tiene un interés particular pues pintó una obra, El anatomista (1869) fuente directa de imitación, y no solo de inspiración, de la obra popularmente conocida como “Y no tenía corazón” de Simonet depositada en ese museo de Málaga que nunca sabremos si volveremos a ver (dicen que a finales de 2013).

Enrique Simonet Lombardo (1866-1927). Pintor de familia malagueña que se inició en la pintura en su ciudad natal Valencia y continuó en Málaga, donde su familia volvió, en la escuela de Ferrándiz. Se le reconoció siempre como pintor de la escuela malagueña.
En su período de formación viajó por diversas ciudades europeas entre 1887 y 1890. También estuvo como corresponsal de guerra en Marruecos entre 1893 y 1894.

La casualidad (dicen que es heredera, junto con la inspiración, la laboriosidad del esfuerzo pero creo que también juega la partida el azar) hizo que encontrara la relación directa de una obra de Simonet, muy valorada y enaltecida en mi ciudad, con una de Ritter von Max (al señor Max lo hicieron caballero –ritter- y como no podía ser menos pegó título al apellido para que todos se enteraran de su importancia personal).

Óleo de Enrique Simonet propiedad del Prado

El anatomista. Pinacoteca de Múnich

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Simonet pintó “Anatomía del corazón” en 1887. Un óleo sobre tela de 177 x 291 que es propiedad del Prado y está en depósito en el Museo de Bellas Artes de Málaga.

Cornelius Max pintó “El anatomista” en 1869. Óleo sobre tela de 136,5 x 189,5. Es propiedad de la Pinacoteca de Múnich.

Las fuentes de las imágenes son las siguientes:

http://www.juntadeandalucia.es/cultura/museos/GENERICO/S2_3_1_1nolupa.jsp?idpieza=393&pagina=4

http://www.pinakothek.de/en/gabriel-cornelius-von-max

http://xkredesuniversales.blogspot.com/2011/04/monos-criticos-de-arte.html